Pintor de cámara de Felipe IV, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (junio de 1599-agosto de 1660) no es sólo una figura sobresaliente del barroco español, sino uno de los gigantes de la historia del arte occidental. Monet y Renoir, Corot y Courbet, Degas y Dalí, todos reconocieron su influencia. Picasso se sintió tan inspirado por su obra maestra, Las meninas, que pintó 44 versiones de ella.

La importancia de Velázquez se encuentra en su particular enfoque naturalista, en contraste con las formas idealizadas que dominaban en su época, el llamado Siglo de Oro. Entre sus primeros trabajos se cuentan numerosos bodegones, escenas de género de la vida cotidiana en España a principios del siglo XVII. En ellos, la calidez y riqueza de sus tonos y texturas contrasta con lo mundano de los asuntos y la humildad de sus protagonistas, como, por ejemplo, en la obra Vieja friendo huevos.

Más tarde, sus retratos como pintor de la corte llevaron el mismo naturalismo a los escalones más altos de la sociedad, marcando un profundo cambio en la representación de la realeza, con posturas más suaves y relajadas que dotaron a los personajes de tanta majestad como humanidad y personalidad. La obra más famosa de Velázquez, Las Meninas, también fue pintada en la corte real, si bien su enigmática composición plantea un amplio abanico de preguntas acerca de la realidad y la ilusión, y sobre la relación entre el pintor, la pintura y el espectador.

Esta nueva edición de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN presenta a Velázquez a través de obras clave de toda su carrera. Desde humildes escenas de género hasta retratos de la realeza, pasando por el exquisito desnudo de la Venus del espejo o el misterio de Las meninas, explore el dominio de la composición, el realismo de la representaciones y el manejo magistral de los tonos que hicieron de Velázquez, según Manet, “el pintor más grande de todos”.

Aplicado por primera vez a los poemas de Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en 1886, el término simbolista pronto se utilizó también para referirse a las artes plásticas en las que una representación realista del mundo natural daba lugar a imaginarias escenas de ensueño con un contenido psicológico, sexual y místico.

El simbolismo fue un amplio fenómeno internacional, pero especialmente presente en Francia, donde pintores como Gustave Moreau y Odilon Redon dieron la espalda al realismo, el naturalismo y el impresionismo para llenar sus lienzos con visiones esotéricas y, a menudo, eróticas. En lugar de los paisajes bañados de luz de Monet o los temas comprometidos de la clase obrera de Courbet, los simbolistas recurrieron a la literatura, la Biblia y la mitología griega para expresar experiencias de amor, miedo, angustia, muerte, despertar sexual y deseo no correspondido.

Con obras de Edward Burne-Jones, Puvis de Chavannes, Gustav Klimt, James Abbott McNeill Whistler, Gustave Moreau y Odilon Redon, entre muchos otros, este libro presenta el gran alcance, intensidad e influencia del simbolismo.

Aplicado por primera vez a los poemas de Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en 1886, el término simbolista pronto se utilizó también para referirse a las artes plásticas en las que una representación realista del mundo natural daba lugar a imaginarias escenas de ensueño con un contenido psicológico, sexual y místico.

El simbolismo fue un amplio fenómeno internacional, pero especialmente presente en Francia, donde pintores como Gustave Moreau y Odilon Redon dieron la espalda al realismo, el naturalismo y el impresionismo para llenar sus lienzos con visiones esotéricas y, a menudo, eróticas. En lugar de los paisajes bañados de luz de Monet o los temas comprometidos de la clase obrera de Courbet, los simbolistas recurrieron a la literatura, la Biblia y la mitología griega para expresar experiencias de amor, miedo, angustia, muerte, despertar sexual y deseo no correspondido.

Con obras de Edward Burne-Jones, Puvis de Chavannes, Gustav Klimt, James Abbott McNeill Whistler, Gustave Moreau y Odilon Redon, entre muchos otros, este libro presenta el gran alcance, intensidad e influencia del simbolismo.

La belleza de la naturaleza y la soledad del hombre son temas dominantes en la obra de Caspar David Friedrich (1774-1840). El artista con frecuencia dispone una pequeña figura humana en un amplio paisaje, como en sus famosos lienzos Monje a la orilla del mar y El caminante sobre el mar de nubes. Durante mucho tiempo, la importancia y la influencia de este gran pintor romántico fueron subestimadas. Cuando murió, Friedrich había sido olvidado ya por sus coetáneos y no fue redescubierto hasta principios del siglo xx. Actualmente, se le considera el pintor alemán más importante de su generación y un precursor del expresionismo.

En una ocasión, Friedrich dio el siguiente consejo a un artista compañero suyo en la escuela que se sentía limitado por las normas académicas: «Cierra tus ojos para poder ver tu cuadro primero con tu alma. Luego, da luz a lo que veías en la oscuridad para que ejerza su efecto en otros desde fuera hacia dentro». Es decir, concentración y no imitación, esencia y no frívola técnica pictórica.

Sobre la serie

Cada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:

un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural;

una concisa biografía;

aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.

Aclamado por su combinación de realismo con atmósfera y por su apreciación profundamente sensible del carácter, la obra de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660) representa la cima indiscutible del Siglo de Oro de la pintura española.
Nacido en Sevilla pero de origen portugués, Velázquez se convirtió en pintor de la corte de Felipe IV en 1623. Trabajador constante, utilizaba fundamentalmente colores sombríos. En 1628 conoció a Rubens y poco después realizó su primer viaje a Italia. Las obras que creó allí revelan un creciente interés tanto por la gama de colores como por el desnudo masculino.
Velázquez sólo regresó a Italia una vez más a finales de la década de 1640, dónde pintó su célebre retrato del Papa Inocencio X y su único desnudo femenino, la "Venus del espejo". Su grandeza reside quizás en sus estudios empáticos de los personajes, tales como los bufones compañeros de juegos de los niños de la familia real. El desgaste de la piel, la miseria y la mortalidad, así como el envejecimiento del abatido monarca, le preocuparon cada vez más en sus últimos años. El poder, la perspicacia y la técnica brillante de estas pinturas ejercieron una profunda influencia en artistas posteriores tales como Manet, Delacroix, Picasso y Bacon.

Aclamado por su combinación de realismo con atmósfera y por su apreciación profundamente sensible del carácter, la obra de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez representa la cima indiscutible del Siglo de Oro de la pintura española.

Nacido en Sevilla pero de origen portugués, Velázquez se convirtió en pintor de la corte de Felipe IV en 1623. Trabajador constante, utilizaba fundamentalmente colores sombríos. En 1628 conoció a Rubens y poco después realizó su primer viaje a Italia. Las obras que creó allí revelan un creciente interés tanto por la gama de colores como por el desnudo masculino.

Velázquez sólo regresó a Italia una vez más a finales de la década de 1640, dónde pintó su célebre retrato del Papa Inocencio X y su único desnudo femenino, la "Venus del espejo". Su grandeza reside quizás en sus estudios empáticos de los personajes, tales como los bufones compañeros de juegos de los niños de la familia real. El desgaste de la piel, la miseria y la mortalidad, así como el envejecimiento del abatido monarca, le preocuparon cada vez más en sus últimos años. El poder, la perspicacia y la técnica brillante de estas pinturas ejercieron una profunda influencia en artistas posteriores tales como Manet, Delacroix, Picasso y Bacon.

Aclamado por su combinación de realismo con atmósfera y por su apreciación profundamente sensible del carácter, la obra de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez representa la cima indiscutible del Siglo de Oro de la pintura española.

Nacido en Sevilla pero de origen portugués, Velázquez se convirtió en pintor de la corte de Felipe IV en 1623. Trabajador constante, utilizaba fundamentalmente colores sombríos. En 1628 conoció a Rubens y poco después realizó su primer viaje a Italia. Las obras que creó allí revelan un creciente interés tanto por la gama de colores como por el desnudo masculino.

Velázquez sólo regresó a Italia una vez más a finales de la década de 1640, dónde pintó su célebre retrato del Papa Inocencio X y su único desnudo femenino, la "Venus del espejo". Su grandeza reside quizás en sus estudios empáticos de los personajes, tales como los bufones compañeros de juegos de los niños de la familia real. El desgaste de la piel, la miseria y la mortalidad, así como el envejecimiento del abatido monarca, le preocuparon cada vez más en sus últimos años. El poder, la perspicacia y la técnica brillante de estas pinturas ejercieron una profunda influencia en artistas posteriores tales como Manet, Delacroix, Picasso y Bacon.